Mamy Teatralny Znak Jakości

Mamy Teatralny Znak Jakości

23.05.2017
Festiwal Perspektywy

Z dumą informujemy, że Festiwal Perspektywy 2017, organizowany przez Teatr CHOREA został wyróżniony TEATRALNYM ZNAKIEM JAKOŚCI, przyznawanym przez środowisko teatralne za tworzenie różnorodnego programu artystycznego i edukacyjnego, działania przeciw wykluczeniu, odpowiedzialność, uczciwość, systemetyczność i transparentność.

TEATRALNY ZNAK JAKOŚCI to zestaw „dobrych praktyk” mających na celu promowanie współpracy opartej na tworzeniu klimatu zaufania i szeroko pojętej odpowiedzialności społecznej teatrów, ośrodków teatralnych, organizatorów festiwali i długofalowych projektów teatralnych.

TEATRALNY ZNAK JAKOŚCI jest inicjatywą oddolną środowiska teatralnego skupionego wokół Ogólnopolskiej Offensywy Teatralnej. Otwarty charakter kryteriów stanowi podstawę do budowania branżowej platformy wszystkich organizatorów życia teatralnego w Polsce w oparciu o wspólnie wyznawane wartości.

TEATRALNEGO ZNAKU JAKOŚCI nie przyznaje żadne powołane gremium. Każdy z poniżej wymienionych podmiotów może dobrowolnie zacząć go używać pod warunkiem spełnienia kryteriów i przestrzegania zasad regulaminu. Może nim być organ władzy publicznej, organizacja pozarządowa, osoba prawna, jednostka organizacyjna lub osoba fizyczna.

Więcej informacji:

https://www.facebook.com/teatralnyznakjakosci/

http://www.scenarobocza.pl/projekt/teatralny-znak-jakosci/

 

teatralny znak jakoci wersja podstawowa

więcej

Majowe Twórcze Warsztaty w Fabryce Sztuki

Majowe Twórcze Warsztaty w Fabryce Sztuki

10-27.05.2017
Fabryka Sztuki w Łodzi

Zapraszamy na majowe Twórcze Warsztaty w Fabryce Sztuki!


SENSOPLASTUSIE - rodzinne warsztaty plastyczne dla dzieci w wieku 1,5-5 lat

data: 10 maja, środa
godzina: 11:00-12:00
miejsce: sala warsztatowa (niski budynek Fabryki Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3)
prowadzenie: Magda Gaj- Nowicka/Bergamutka
wiek uczestników: 1,5-5 lat
czas: 60 minut

Zajęcia plastyczno-sensoryczne zakładają wyzwolenie większej swobody twórczej poprzez stworzenie przestrzeni wspierającej kreatywne pomysły. Istotą zajęć jest możliwość ekspresji na dużych formatach, z wykorzystaniem niestandardowych materiałów oraz „brudzących” uczestników i przestrzeń technik. Rozszerzamy myślenie na temat narzędzi, pędzlem może być makaron spaghetti, pęk trawy czy kwiat, malować można balonami napełnionymi wodą, czy szklanymi kulkami, dopuszczając rolę przypadku i zapoznając z malarstwem gestu. Zmieniamy wachlarz dotychczas znanych materiałów z jakich powstają prace wykorzystujemy do tworzenia kolorowe bańki mydlane, zabarwione kostki lodu, farbą może być kisiel, jogurt z barwnikiem spożywczym czy kasza manna rozsypana na świetlnym stole. W przeciwieństwie do standardowych zajęć plastycznych uczestnicy warsztatów nie poznają przed rozpoczęciem pracy efektu do jakiego mają dotrzeć. Celem jest proces twórczy a nie nauka konkretnej techniki. Uczestnicy zajęć wykorzystują dostępne materiały i przestrzeń do realizacji własnych zamierzeń. Podczas warsztatów nie korygujemy „błędów” np. nierównych linii, nierealnych kolorów, przypadkowych plam. W zajęciach najistotniejszy jest proces twórczy oraz szacunek do dziecięcego skupienia, potrzeb, zainteresowań i pomysłów. Równie ważny jest fakt pracy w grupie, który uczy dzieci stopniowo uwzględnienia potrzeb i granic innych osób.


MALI ODKRYWCY - rodzinne warsztaty sensoryczne dla dzieci w wieku 2-4 lata

data: 16 maja, wtorek
godzina: 12:00-13:00
miejsce: sala warsztatowa (niski budynek Fabryki Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3)
prowadzenie: Magda Gaj-Nowicka/ Bergamutka
wiek uczestników: 2-4 lat
czas: 60 minut

Małe dzieci rozwijają się holistycznie. Wszystkie ich strefy rozwoju (fizyczna, emocjonalna, społeczna, poznawcza) przenikają się i wzajemnie na siebie wpływają. Rozwój fantazji w zabawie jest podstawą kreatywnego myślenia, a rozwój fizyczny wpływa na przyszłe nabywanie umiejętności czytania i pisania. /Jak się uczą małe dzieci, Instytut Małego Dziecka A.Lindgren/. 
Na warsztatach w spokojnej atmosferze, dzieci będą wielozmysłowo badać świat. Wąchając, smakując, obserwując, dotykając, słuchając, przemieszczając, będą odkrywać i poznawać otoczenie. Zajęcia dadzą okazję by obserwować, współpracować, rozwijać nowe zainteresowania, wzmacniać inicjatywę dziecka oraz poczucie sprawstwa. Na każdych zajęciach pojawi się nowy temat przewodni. Będziemy poznawać kulturę, prawidła przyrody, utrwalać tajną wiedzę o kolorach i fascynującym świecie zwierząt czy rozpoznawać emocje jakie towarzyszą nam w codziennym życiu.


UWAŻNOŚĆ ŻABKI - rodzinne warsztaty koncentracji i jogi dla dzieci w wieku 5-10 lat

data: 18 maja, czwartek 
pierwsza grupa: godz. 16:00-16:30
druga grupa: godz. 16.30-17:00
prowadzenie: Majka Justyna
wiek uczestników: 5-10 lat
czas: 60 minut

„Żaba to bardzo wyjątkowe zwierzę. Potrafi bardzo daleko skakać, ale też wyjątkowo spokojnie siedzieć. Doskonale wie, co się dzieje wokoło niej, ale nie spieszy się z reakcjami. Siedzi spokojnie i oddycha. W ten sposób nie męczy się i nie wyrywa się razu do wszystkich szalonych pomysłów. Żaba bardzo spokojnie siedzi i oddycha.” (Eline Snel „Uważność i spokój żabki”)
Dzieci są z natury ciekawskie, mają duszę odkrywcy. I naturalną potrzebę uczenia się. Są też naturalnie uważne. Ale podobnie jak dorośli, często bywają zestresowane, niespokojne, rozkojarzone. Wiele dzieci zbyt wiele robi, a za mało po prostu jest. Stają się być dorosłe, zanim mają szansę pobyć dziećmi. Praktyka uważności i jogi zaspakaja w obecnych trudnych czasach ogromną potrzebę fizycznego i duchowego spokoju, zarówno u dzieci jak i u rodziców. Ćwiczenia uważności i jogi przeznaczone są dla wszystkich dzieci, które chcą nauczyć się uspakajać gonitwę myśli, rozumieć i odczuwać w swoim ciele emocje, a także poprawiać koncentrację. Nadają się również dla dzieci, które potrzebują więcej wiary w siebie i zrozumienia, że mogą być takie, jakie są.


ŻARTY TEATRALNE - twórcze warsztaty teatralno-literackie dla dzieci w wieku 5-9 lat

data: 19 maja, piątek
godzina: 17:30-19:00
prowadzenie: Joanna Filarska
wiek uczestników: 5-9 lat
czas: 90 minut

Warsztaty teatralne bazujące na kreatywności dzieci. 
Krótkie zabawy - małe przedstawienia tworzone będą przez grupę dzieci w oparciu o wiersze poetów polskich, ich własne pomysły i materiały plastyczne. Warsztat ma rozwijać dziecięcą wyobraźnię i ekspresję, pamięć, muzykalność, poczcie rytmu a także umiejętność współpracy w grupie.


KRAV MAGA - samoobrona dla małych i dużych - rodzinne warsztaty ruchowe dla dzieci w wieku 5-9 lat

data: 20 maja, sobota
godzina: 13:30-14:30
prowadzenie: Elina Toneva
wiek uczestników: 5-9 lat
czas: 60 minut

Trening dla dzieci oparty o formy zabawowe: bieganie, gry zadaniowe, tory przeszkód. Nauka bezpiecznych upadków, nauka unikania i rozpoznawania zachowań agresywnych, samoobrony.


CUDA NA KIJU - twórcze warsztaty plastyczne dla dzieci w wieku 6-12 lat

data: 27 maja, sobota
godzina: 14:00-16:00
prowadzenie: Jola Królicka
wiek uczestników: 6-12 lat
czas: 120 minut

Zajęcia cykliczne, w których elementem łączącym będzie drewniany kij, wykorzystany na różne sposoby w nawiązaniu do zabawek tradycyjnych: koń na kiju, miotła czarownicy, wiszące dekoracje, wiatraki, kukły i marionetki. Materiały dodatkowe będą pochodzić z natury lub recyklingu: muszle, kamyki, glina, paciorki, patyki, plastikowe butelki, kartony po jajkach itp.
Warsztaty mają na celu pobudzić wyobraźnię dzieci i zachęcić do szukania inspiracji w przedmiotach codziennego użytku, rozwijać ich manualne sprawności oraz wrażliwość estetyczną.


WAŻNE INFORMACJE!!!

Opłata za udział w warsztatach wynosi 5 zł od uczestnika.
W przypadku warsztatów rodzinnych opłata tylko za dzieci. Opiekunowie nie płacą.
Dorośli, którzy chcą wziąć udział w warsztacie indywidualnie dokonują opłaty 5 zł za osobę.
Płatność za udział w warsztatach przyjmujemy wyłącznie gotówką, przed rozpoczęciem wydarzenia.

Zapisy na warsztaty prowadzi Teatr CHOREA 
- mailowo: warsztaty@fabrykasztuki.org
- telefonicznie 42 646 88 65 w.30
W mailu prosimy podać tytuł warsztatu, datę warsztatu i dane uczestników (imię i nazwisko, ilość i wiek dzieci i ilość opiekunów).
System rezerwacji miejsc zamykamy o godz 18:00, w dniu poprzedzającym wydarzenie. 

Fabryka Sztuki nie ponosi odpowiedzialności za treści ogłoszeń umieszczanych na portalach społecznościowych poza wiedzą organizatora.

 

więcej

"Nowy" - spektakl stworzony metodą Teatru Forum

"Nowy" - spektakl stworzony metodą Teatru Forum

25.05.2017
Teatr CHOREA

Serdecznie zapraszamy na spektakl „NOWY”, w wykonaniu wychowanków Młodzieżowego Ośrodka Socjoterapii nr 3 w Łodzi, stworzony metodą Teatru Forum.

data: 25 maja 2017, czwartek
godzina: 15.00
miejsce: scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi, ul.Tymienieckiego 3
prowadzenie: Iga załęczna
wstęp: wolny, bezpłatny

Spotkanie - spektakl jest owocem warsztatów prowadzonych metodą Teatru Forum przez Igę Załęczną, w ramach projektu „Teatr Forum – roczny cykl warsztatów i spektakli”.

Teatr Forum to metoda pracy z grupą z pogranicza teatru i edukacji, stworzona przez brazylijskiego praktyka dramy, pedagoga, reżysera oraz twórcę koncepcji Teatru Uciśnionych (Theatre of the Oppressed) Augusto Boala.  
To interaktywna forma tworzenia spektakli, w której widzowie mają możliwość wpływu na przebieg działań scenicznych. Specyficzna funkcja uczestników, którzy swoimi interwencjami mogą tworzy własną historię na scenie czyni z nich aktywnych współtwórców przedstawienia. Doświadczenie to wykorzystując metody aktywnego uczestnictwa uczy stawiania granic, komunikowania złości, mówienia o swoich potrzebach, radzenia sobie w sytuacjach konfliktowych. Dzięki realizacji tej zasady spektakl jest czymś więcej niż wydarzeniem artystycznym - pozwala na rozwój kompetencji społecznych i komunikacyjnych. Zachowując zasady wzajemnej odpowiedzialności, szacunku i troski o wszystkich uczestników wspólnie tworzymy bezpieczną przestrzeń do mówienia otwartym głosem.

Projekt zrealizowano w ramach stypendium Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego.

Partnerzy: Teatr CHOREA, Fabryka Sztuki w Łodzi, Studium Animatorów Kultury we Wrocławiu

więcej

Take Over Final Project Conference - open call

Take Over Final Project Conference - open call

24.05.2017
Avignon

NEW APPROACHES TO NEW AUDIENCES: Seeing young audiences through young people’s eyes

Take Over Final Project Conference | 17 July 2017| Avignon

 

The partners of the Take Over project are pleased to invite you to the NEW APPROACHES TO NEW AUDIENCES conference which will take place at the Avignon Festival within the Maison Professionnelle du Spectacle Vivant on 17th July from 2-6pm. 

In our NEW APPROACHES TO NEW AUDIENCES conference we will be sharing the learning we have taken from the project along with the recommendations we have for those who might look to adopt this model in the future. We will also hear from the young people themselves who have been at the heart of the project. 

Call for participation & Selection 

At the NEW APPROACHES TO NEW AUDIENCES conference arts professionals from across Europe will have a chance to discuss approaches to audience development, hearing from the Take Over project partners about the experience of embedding and working with a youth board. 

We are able to offer a limited number of travel grants to attend the half day conference on Monday 17th July at the Avignon Festival for those organisations who are keen to explore new ways to develop their audiences.  

The general deadline has now closed but we are still looking for applications from organisations in Poland, Greece and Italy. If you are based in any of these countries please fill in the very short online application form found here (and link below) by midnight on the 24th May.

https://docs.google.com/forms/d/1O2h_SUvXRhlSgRX4nZ8axrPbbQk6WVaXUIxo8Ilac9Y/viewform?ts=58ee220e&edit_requested=true

Should your application be successful you will be contacted by one of the Take Over team and we will be able to support:

  • Two night’s accommodation for Sunday 16th and Monday 17th July in Avignon. 
  • Travel stipend of 300 euros to cover part of your travel costs to the conference
  • If your application for a travel grant is not successful we would still love you to join us for the conference and hope you will be able to do so! More details of the programme and registration instructions will be available in late May. 

If you have any questions about the conference programme or the registration form please do not hesitate to contact: Susan.Winter@britishcouncil.org 

What happens afterwards?

  • If you receive a travel grant to attend the Take Over final conference you get to start making your travel plans! All accommodation is already organised for the nights of the 16th and 17th of July but if you want to stay on at the festival longer you will need to make your own arrangements. 
  • Post the conference we will ask that you write a short (max 1 page) blog post/report on your experience at the conference and any lessons learnt. 

  

więcej

Spektakl "Deadline" Studium Teatralnego / Perspektywy 2017

Spektakl "Deadline" Studium Teatralnego / Perspektywy 2017

14.05.2017
Art_Inkubator w Fabryce Sztuki w Łodzi

Zapraszamy na spektakl „Deadline” Studuim Teatralnego z Warszawy, w ramach Festiwalu Perspektywy 2017: Teatr - awangarda w działaniu

data: 14 maja 2017 (niedziela)
godzina: 19:00
miejsce: scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi
czas trwania: 65 minut
bilety: 20 zł ulgowy / 30 zł normalny
rezerwacje:
mailowo: teatrchorea@gmail.com
telefonicznie: +48 506 103 207 (od poniedziałku do piątku, w godzinach 12:00-17:00)

Po spektaklu zapraszamy na spotkanie z twórcami przedstawienia. Spotkanie poprowadzą Tomasz Rodowicz i Piotr Olkusz.


INFORMACJE O SPEKTAKLU:

Spektakl: "Deadline"
Twórcy: Studium Teatralne / Warszawa
Reżyseria: Piotr Borowski
Obsada: Danny Kearns, Magda Czarny
Muzyka: Małgorzata Gąsiorowska
Kostiumy: Karina Piwowarska
Wideo: Adrien Cognac
Produkcja: Gianna Benvenuto
Premiera: 30 listopada 2016
Sfinansowano ze środków Miasta st. Warszawy

Trzy akty, trzy historie, trzy części.
Spektakl w języku angielskim z napisami.

Spektakl przedstawia historię dwóch osób w różnych czasach: obecnym, przyszłym i takim zawieszonym, jakby bez czasu.

Pierwsza część, to czas rozpadu – ostatnie pół godziny z życia znanego komika, który przekazał swoje DNA w nadziei na ponowne narodziny. Przez 30 minut nagrywa komentarz do swojej biografii dla swojego następcy, klona, by w ten sposób zachować ciągłość pamięci, tożsamości.
Zwierzenia, analiza czy rachunek sumienia albo spowiedź – wszystko w obliczu nieuchronności wyznaczonego czasu. Życie bohatera można nazwać przeciętnym: ambicja, chęć zaistnienia, sukces za wszelką cenę, ciągłe pożądanie seksualne. Wartością jego zwierzeń jest tu jedynie szczerość, która czyni go wręcz sympatycznym.

Druga część, to czas suszy.
Upłynęło 2000 lat. Bohater jest 24. klonem oryginału. W świecie po katastrofie nuklearnej drastycznie zmniejszyła się ilość ludzi, którzy wciąż masowo umierają w napromieniowanej atmosferze.
Klony są silne i zdrowe. Żyją w kompletnej izolacji, zarówno od ludzi, jak i od siebie. Zanika nie tylko miłość, ale i seks. Klony wierzą, że swą ascezą przygotowują nadejście Przyszłych, którzy będą jedną świadomością wirtualną.

Trzecia część, to czas wilgoci.
W końcu bohater zostaje wysłuchany i znajduje odpowiedź na podstawowe pytanie przewijające się przez wszystkie trzy części: czym jest miłość?


INFORMACJE O TWÓRCACH:

Warszawskie Studium Teatralne założył Piotr Borowski w 1995, po powrocie z Włoch, gdzie od 1986 do 1994 pracował z Jerzym Grotowskim - wcześniej był jednym ze współtwórców „Gardzienic”.
W 1997 r. wraz z zespołem powołał stowarzyszenie, które wynajęło pomieszczenie starej fabryki na Pradze Południe. Do dzisiaj jest to miejsce, w którym grupa pracuje, gdzie odbywają się próby, spektakle, warsztaty oraz spotkania z wybitnymi ludźmi teatru.
Od samego początku istnienia Studium Teatralnego grupa działa, jako niezależny zespół teatralny. Postawiła sobie za cel pogłębianie i szerzenie poczucia prawdy artystycznej, kładąc szczególny nacisk na to, żeby dotrzeć z tym przesłaniem do młodego pokolenia.
Już od pierwszego spektaklu Studium Teatralne skupiło na sobie uwagę krytyki, autorytetów teatru, a także całego grona ludzi wywodzących się z różnych grup społecznych, których poruszyły przedstawienia zespołu. Komentując spektakle, mówiono o szczerym, niekoniunkturalnym przejęciu się problemami współczesności, w których centrum zawsze pozostaje człowiek poszukujący wyższego sensu; o szczególnej etyce pracy Studium Teatralnego, opartej na zespołowości i systematycznym, pełnym oddania wysiłku.
W dzisiejszych czasach, gdy zespoły teatralne bardzo szybko zamieniają się w sceny impresaryjne a ich praca często ogranicza się do krótkich przedsięwzięć, po których prędko ginie ślad, Studium Teatralne idzie inną drogą, drogą opierającą się na etosie zespołowości i ciągłej edukacji, co daje możliwości poszukiwania nowych środków wyrazu, pozwala na rozwój i dokonywanie artystycznych odkryć.
Studium Teatralne wielokrotnie występowało na festiwalach polskich i zagranicznych, między innymi: w USA, Szwecji, na Białorusi, we Włoszech, Wenezueli, Szwajcarii, Anglii, Rosji, Chorwacji, Niemczech, Francji, Mołdawii, Urugwaju, Argentynie, Kolumbii.

LINKI:

http://studiumteatralne.pl

https://www.facebook.com/steatralne/

https://www.instagram.com/steatralne/


WAŻNE INFORMACJE DOTYCZĄCE SPOSOBU REZERWACJI BILETÓW:

W mailu prosimy podać imię i nazwisko, ilość rezerwowanych biletów i określić czy będą to bilety normalne czy ulgowe.
Do zakupu biletów ulgowych upoważnione są osoby, które zakupiły bilety na więcej niż jedno wydarzenie Festiwalu Perspektywy 2017, grupy zorganizowane (powyżej 10 osób), osoby niepełnoletnie (do 18 roku życia), uczniowie, studenci, emeryci, renciści, osoby niepełnosprawne, osoby powyżej 80 roku życia oraz osoby objęte ulgą ustawową.
Bilety można odebrać w dniu wydarzenia, najwcześniej godzinę przed jego rozpoczęciem lub w biurze Teatru CHOREA (pokój nr 18, budynek Fabryki Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3), od poniedziałku do piątku, w godzinach 12:00-17:00, z wyjątkiem 1,2,3 maja.
Płatność za bilety przyjmujemy wyłącznie gotówką.
Rezerwacje wygasają 15 minut przed rozpoczęciem wydarzenia.

 

więcej

Spektakl "Nicea/14.VII" Teatru Cinema / Perspektywy 2017

Spektakl "Nicea/14.VII" Teatru Cinema / Perspektywy 2017

13.05.2017
Art_Inkubator w Fabryce Sztuki w Łodzi

Zapraszamy na spektakl „Nicea/14.VII” Teatru Cinema z Michałowic i AKHE Engineering Theatre z Petersburga, w ramach Festiwalu Perspektywy 2017: Teatr - awangarda w działaniu.

data: 13 maja 2017 (sobota)
godzina: 19:00
miejsce: scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi
bilety: 20 zł ulgowy / 30 zł normalny
rezerwacje:
mailowo: teatrchorea@gmail.com
telefonicznie: +48 506 103 207 (od poniedziałku do piątku, w godzinach 12:00-17:00)

Po spektaklu zapraszamy na spotkanie z twórcami przedstawienia. Spotkanie poprowadzą Tomasz Rodowicz i Piotr Olkusz.


INFORMACJE O SPEKTAKLU:

Spektakl „Nicea/14.VII”
Twórcy: Teatr Cinema z Michałowic / AKHE Engineering Theatre z Petersburga
Koncepcja i reżyseria: Zbigniew Szumski
Wykonawcy: Anna Krych, Tadeusz Rybicki, Maxim Isaev, Pavel Semchenko
Spektakl zrealizowano w ramach programu rezydencji Europejskiej Stolicy Kultury A-i-R WRO.

Spektakl powstał w odpowiedzi na absurdalny atak terrorystyczny 14 lipca 2016 w Nicei.
Manifest bezradności. Hospitalizacja gniewu.

W dawnych czasach człowiek wygrażał w gniewie niebu i bogom. W dzisiejszych czasach udaje się do psychoterapeuty aby załagodzić swoje traumy i w szczęśliwych przypadkach odkryć fakt, że żyje się w koegzystencji ze swoimi przodkami. Akty terroru wierzących wymykają się spod kontroli i rozumienia. Spektakl jest próbą opisu takiej sytuacji. Do opisu bezradności użyliśmy cytatów z codziennych czynności a nawet sięgnęliśmy po instrukcje obsługi urządzeń domowych.
Skonfrontowaliśmy je ze znakami nowych czasów, takimi jak terroryzm w imię religii. Treść aktualna musi ulec intuicji aby choć w części odsłonić głębsze mechanizmy. Spektakl jest więc budowany z silnych emocji, którym nie sprosta żadna forma. 


INFORMACJE O TÓWRCACH:

Teatr Cinema to polska interdyscyplinarna grupa, od 25 lat działająca na pograniczu teatru, tańca, sztuk plastycznych i video. Teatr Cinema powstał w 1992 roku. Założycielami grupy byli: Zbigniew Szumski (grafik i scenograf), aktorzy: Dariusz Skibiński, Tadeusz Rybicki, Jan Kochanowski, Bogdan Siwko oraz malarze: Mariusz Mielęcki i Katarzyna Rotkiewicz-Szumska. Siedziba Teatru Cinema mieści w karkonoskiej wiosce Michałowice.
Cinema ma wyraźną i rozpoznawalną na pierwszy rzut oka stylistykę. Jej cechą dominującą jest polifoniczna struktura spektakli. Nie będąc teatrem dramatycznym, muzycznym, teatrem tańca, organicznie łączy wszystkie te gatunki, jednocześnie zaprzeczając ich tradycyjnemu postrzeganiu przez widza. 

"Cinema to teatr, w którym Kantor spotyka się z Genetem, a ło­kieć z kosmosem, uprawdopodobniając jednocześnie każdą możliwość odbioru i interpretacji. Znajdą tu miejsce zarówno widzowie lubiący intertekstualne gry w skojarzenia, jak i ci, dla których teatr nie jest ani świętem, ani celebracją. Jest miejscem wyzwalania się poprzez co­dzienność, stowarzyszeniem ku Teraźniejszości." (Katarzyna Dudek, Didaskalia)

Do tej pory teatr zrealizował spektakle: „Dong”, „Bilard”, „Nie mówię tu o miłości”, „Brudne piękno”, „Tak.To.Tu”, „Miałem taki sen”, „Trylogia Petera Handke” (we współpracy z Aspik Theater z Niemiec i Local Theatre z Izraela), „Albert Lux”, „Słownik sytuacji” (koprodukcja ze Spielart Festival z Monachium, Hebbel Theater z Berlina, FFT Düsseldorf), „Mamo, chcę tańczyć Mahlera” (koprodukcja z LOFFT Lipsk), „Krótka historia kroku marszowego”, „Opowieści i pamięć” (koprodukcja z Acco Theatre z Izraela), „Hotel Dieu”, „Re//mix. Pina Baush”, „Rewia Ognia”, „Posthuman Theatre” (we współpracy z Teatrem Kaitaisha z Tokio), „Upadek przyszłości” (we współpracy z tancerzem i choreografem z Izraela, Iradem Mazliah), „Heartbreak Hotel” (we współpracy z Teatrem A3) oraz pięć wieczorów z cyklu „Kabaret Olbrzymów”.

AKHE Engineering Theatre został założony w 1989 roku w Sankt Petersburgu przez członków Teatru Yes-No (Maksima Isajewa, Pawła Semczenkę, Wadima Wasiliewa). Teatr AKHE to prawdziwa mieszanka wybuchowa - połączenie happeningu, sztuk plastycznych, instalacji, wideoartu i fotografii.

Grupa performerów raz za razem podejmuje prowokacyjną, przewrotną grę z publicznością - tworzy przedstawienia wśród widzów, którzy wypełniają strukturę uformowaną przez artystów. Ze względu na nowatorskie podejście do przestrzeni teatralnej i doświadczenia członków grupy w zakresie sztuk plastycznych, Teatr Akhe nazywany jest teatrem optycznym albo rosyjskim teatrem inżynieryjnym. Artyści traktują przestrzeń jako jeden z głównych elementów przedstawienia, a o sobie myślą jako o jej animatorach. Stosują język prostych, czytelnych znaków-symboli, które często nawiązują w formie do dziecięcych wycinanek. Bawią się formą, pozostawiając miejsce dla wyobraźni widza.



LINKI:

http://www.teatrcinema.pl/

https://www.facebook.com/TeatrCinema/

https://www.facebook.com/AKHE.Theatre/

http://www.akhe.ru/eng/


WAŻNE INFORMACJE DOTYCZĄCE SPOSOBU REZERWACJI BILETÓW:

W mailu prosimy podać imię i nazwisko, ilość rezerwowanych biletów i określić czy będą to bilety normalne czy ulgowe.
Do zakupu biletów ulgowych upoważnione są osoby, które zakupiły bilety na więcej niż jedno wydarzenie Festiwalu Perspektywy 2017, grupy zorganizowane (powyżej 10 osób), osoby niepełnoletnie (do 18 roku życia), uczniowie, studenci, emeryci, renciści, osoby niepełnosprawne, osoby powyżej 80 roku życia oraz osoby objęte ulgą ustawową.
Bilety można odebrać w dniu wydarzenia, najwcześniej godzinę przed jego rozpoczęciem lub w biurze Teatru CHOREA (pokój nr 18, budynek Fabryki Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3), od poniedziałku do piątku, w godzinach 12:00-17:00, z wyjątkiem 1,2,3 maja.
Płatność za bilety przyjmujemy wyłącznie gotówką.
Rezerwacje wygasają 15 minut przed rozpoczęciem wydarzenia.

 

więcej

Warsztaty z Piotrem Borowskim / Perspektywy 2017

Warsztaty z Piotrem Borowskim / Perspektywy 2017

13.05.2017
Fabryka Sztuki w Łodzi

Zapraszamy na warsztaty teatralne pt. "Wspólna przestrzeń naszych uczuć" prowadzone przez Piotra Borowskiego ze Studium Teatralnego w Warszawie, w ramach Festiwalu Perspektywy 2017: Teatr - awangarda w działaniu

data: 13 maja 2017 (sobota)
godzina: 12:00 – 15:00 
miejsce: sala warsztatowa w niskim budynku Fabryki Sztuki w Łodzi, ul. Tymienieckiego 3
prowadzący: Piotr Borowski (Studum Teatralne / Warszawa)
uczestnicy: warsztat kierowany do wszystkich osób zainteresowanych teatrem
wiek uczestników: 18+
liczba uczestników: 15 osób
dodatkowe informacje: na warsztaty prosimy zabrać wygodny, nie krępujący ruchów strój do ćwiczeń fizycznych i lekkie obuwie na zmianę
koszt: 70 zł
rezerwacje: 
mailowo: chorea.warsztaty@gmail.com
telefonicznie: +48 506 103 207 (od poniedziałku do piątku, w godzinach 12:00-17:00)


OPIS WARSZTATU: 

"Wspólna przestrzeń naszych uczuć"

Piotr Borowski: Studium Teatralne ma za sobą wiele lat działalności bogatej w różnorodne doświadczenia i pomimo licznych zmian i ciągłych przeobrażeń jest w tej pracy coś, co jak linia przewodnia nieustannie nam towarzyszy. Tak jak na początku, tak i teraz, szukając spełnienia w teatrze, stoimy w obliczu pytania o obecność aktora na scenie, o to, co się wydarza tu i teraz; szukając spełnienia w życiu, pytamy się, czym jest nasza obecność, nasze bycie – bycie samemu, bycie z innymi i wobec innych. Chcemy choć trochę zbliżyć się do tajemnicy i, pracując razem, poczuć niejako na sobie muśnięcie prawdy.
Zawsze pojmowałem teatr jako działanie komplementarne i jako miejsce, które może sprzyjać wewnętrznemu rozwojowi człowieka.
Po 20 latach stało się dla mnie jasne, że to, co w tej pracy najważniejsze, nie może podlegać metodzie; że trening, próby, praca indywidualna i spektakle są żywe tylko wtedy, gdy otwierają wrota w nieznane.
Wiele starych tradycji mówi o tym, że nasza epoka, to wiek kłótni i hipokryzji. W takim czasie czuję szczególnie głęboką potrzebę dzielenia się z innymi swoim wieloletnim doświadczeniem. Jak iść „pod prąd” i paradoksalnie nie tracić, lecz nawiązywać kontakt z rzeczywistością? 

Zajęcia, które poprowadzę, będą toczyły się dwoma nurtami:
1 – praca nad jakością naszej obecności: nad jej organicznością, nad impulsem, klarownością myśli i intencji; nad wrażliwością i ruchem, który świadomie przejawia się poprzez ciało.
2 – wspólna kreacja, w której za punkt odniesienia posłuży nam Burza Williama Szekspira.


INFORMACJE O PROWADZĄCYM:

Piotr Borowski - aktor i reżyser teatralny. Twórca niezależnej warszawskiej sceny Studium Teatralne. W działalność teatralną zaangażowany jest od 1975 roku, kiedy związał się z teatrem "Laboratorium" Jerzego Grotowskiego. Brał udział m.in. w „Special Project” - projekcie organizowanym w ramach programu kultury czynnej oraz w przygotowaniach i realizacji Uniwersytetu Poszukiwań Teatru Narodów we Wrocławiu. W latach 1977-1983 był aktorem i muzykiem w grupie teatralnej "Gardzienice". W 1980 roku wraz z innymi członkami zespołu zrealizował własne przedstawienie „Już odchodzimy”, które było pokazywane podczas trzymiesięcznego projektu „Wyprawa zimowa” organizowanego w okolicach Białegostoku. Po wyjeździe do Włoch, w latach 1985-1993, Borowski pracował w Ośrodku Jerzego Grotowskiego ("Workcenter of Jerzy Grotowski") w Pontederze, gdzie współpracował m.in. z Thomasem Richardsem. W 1995 roku prowadził warsztaty teatralne w Centrum Sztuki Współczesnej w Warszawie. W 1996 roku założył niezależną grupę teatralną Studium Teatralne. Ze Studium Teatralnym zrealizował do tej pory przedstawienia: „Miasto”, „Północ”, „Człowiek”, „Parsifal”, „Hamlet”, „Henryk Hamlet Hospital (H. H. H.)”, „Król kier znów na wylocie”, „Linia powrotu”, „Co się stało z naszą bajką?”, „Szepty ziemi”, „Party: take (a)part”, „Deadline”. Prowadził warsztaty teatralne dla aktorów i studentów szkół artystycznych w Brazylii, Anglii, Wenezueli, we Włoszech, Kolumbii, Szwecji, Białoruś oraz w Polsce. Jest także autorem filmu dokumentalnego „Koniec pieśni” (2007). Historia związana z powstawaniem filmu zaczęła się na przełomie 1980 i 1981 roku, kiedy Borowski z przyjaciółmi zorganizował „Wyprawę zimową”. Na taśmach magnetofonowych utrwalił wówczas śpiew spotykanych tam ludzi, także Białorusinów i Tatarów. W 2007 roku wrócił na Białostocczyznę, aby nagrania oddać wykonawcom lub ich rodzinom. Spotkania z mieszkańcami nagrywał. Powstał przejmujący film o ludziach i o ich świecie, który wraz z pieśniami odchodzi.

Warszawskie Studium Teatralne założył Piotr Borowski w 1995, po powrocie z Włoch, gdzie od 1986 do 1994 pracował z Jerzym Grotowskim - wcześniej był jednym ze współtwórców „Gardzienic”.
W 1997 r. wraz z zespołem powołał stowarzyszenie, które wynajęło pomieszczenie starej fabryki na Pradze Południe. Do dzisiaj jest to miejsce, w którym grupa pracuje, gdzie odbywają się próby, spektakle, warsztaty oraz spotkania z wybitnymi ludźmi teatru.
Od samego początku istnienia Studium Teatralnego grupa działa, jako niezależny zespół teatralny. Postawiła sobie za cel pogłębianie i szerzenie poczucia prawdy artystycznej, kładąc szczególny nacisk na to, żeby dotrzeć z tym przesłaniem do młodego pokolenia. Już od pierwszego spektaklu Studium Teatralne skupiło na sobie uwagę krytyki, autorytetów teatru, a także całego grona ludzi wywodzących się z różnych grup społecznych, których poruszyły przedstawienia zespołu. Komentując spektakle, mówiono o szczerym, niekoniunkturalnym przejęciu się problemami współczesności, w których centrum zawsze pozostaje człowiek poszukujący wyższego sensu; o szczególnej etyce pracy Studium Teatralnego, opartej na zespołowości i systematycznym, pełnym oddania wysiłku.
W dzisiejszych czasach, gdy zespoły teatralne bardzo szybko zamieniają się w sceny impresaryjne a ich praca często ogranicza się do krótkich przedsięwzięć, po których prędko ginie ślad, Studium Teatralne idzie inną drogą, drogą opierającą się na etosie zespołowości i ciągłej edukacji, co daje możliwości poszukiwania nowych środków wyrazu, pozwala na rozwój i dokonywanie artystycznych odkryć.
Studium Teatralne wielokrotnie występowało na festiwalach polskich i zagranicznych, między innymi: w USA, Szwecji, na Białorusi, we Włoszech, Wenezueli, Szwajcarii, Anglii, Rosji, Chorwacji, Niemczech, Francji, Mołdawii, Urugwaju, Argentynie, Kolumbii.


LINKI:

http://studiumteatralne.pl

https://www.facebook.com/steatralne/

https://www.instagram.com/steatralne/


REGULAMIN UDZIAŁU W WARSZTATACH:

- Pełna wpłata za warsztat musi być odnotowana na koncie bankowym Teatru CHOREA (organizatora) najpóźniej do 8 maja 2017.
- Numer konta bankowego: BPH SA 30 1060 0076 0000 3200 0092 1568 (IBAN: PL)
- W tytule przelewu należy umieścić imię i nazwisko uczestnika oraz nazwisko prowadzącego warsztat.
- Za rezygnację z warsztatu zgłoszoną do 8 maja 2017, Teatr CHOREAZ zwróci wpłatę na konto nadawcy. Rezygnacja zgłoszona po 8 maja 2017 oznacza brak możliwości odzyskania wpłaty.
- Organizator może wystawić fakturę VAT.
- W przypadku gdy nie zbierze się optymalna ilość uczestników ustalona z prowadzącym, warsztat zostaje odwołany, a wpłaty zwrócone na konto nadawcy.
- 8 maja 2017 Teatr CHOREA wyśle maile do wszystkich uczestników z informacją czy została utworzona grupa warsztatowa.
- Organizator ma prawo do odwołania warsztatów z przyczyn od niego niezależnych w późniejszym terminie. Zwracamy wtedy wszystkie opłaty na konta uczestników.
- Organizator zapewnia wodę, kawę i herbatę podczas warsztatów. Organizator nie zapewnia noclegów oraz posiłków uczestnikom warsztatów.

 

więcej

Festiwal Perspektywy 2017 - wywiady z artystami!

Festiwal Perspektywy 2017 - wywiady z artystami!

13-14.05.2017
Wywiady z Piotrem Borowskim (Studium Teatralne) i Zbigniewem Szumskim (Teatr Cinema)

Zapraszamy do lektury wywiadów z Piotrem Borowskim, założycielem Studium Teatralnego z Warszawy oraz Zbigniewem Szumskim, dyrektorem Teatru Cinema z Michałowic - gośćmi drugiej, majowej edycji Festiwalu Perspektywy 2017: Teatr - awangarda w działaniu. 

 

"Bohaterowie awangardy"

 Z Piotrem Borowskim, reżyserem spektaklu „Deadline” oraz twórcą Studium Teatralnego w Warszawie, rozmawia Ewa Otomańska

Ewa Otomańska: Hasłem tegorocznej edycji festiwalu PERSPEKTYW jest teatr jako awangarda w działaniu. Co dla Pana oznacza termin „teatr awangardowy”?

Piotr Borowski: Awangarda oznacza dla mnie pewną nową jakość, zarówno formy jak i treści. Wydaje mi się, że dążenie ku awangardzie jest naturalną rzeczą dla artystów, ponieważ nikt nie chce się powtarzać, awangarda powinna być dla artysty czymś naturalnym co oznacza poszukiwanie nowych form i jego rozwój. Sądzę też, że ludzie mając do czynienia z nowym rodzajem sztuki, czerpią bardzo duże korzyści z takich wrażeń. Nie chodzi mi tylko o teatr ale i literaturę, film czy plastykę. Więc jest to bardzo sensowne i celowe żeby zadawać sobie, poprzez spotkanie z awangardą pytania o rzeczywistość w której w tej chwili jesteśmy. Od zawsze ten świat, podlega jakimś naturalnym zmianom i człowiekowi bardzo trudno jest za nimi nadążyć. Nie tylko widzowie ale w ogóle wszyscy ludzie chcą zrozumieć co takiego w świecie się dzieje, on cały czas ma w sobie wielką tajemnicę i na pewno warto jest podjąć ten wysiłek by próbować zbliżyć się do niej przez sztukę. Być może właśnie ten wysiłek i te próby są czymś najważniejszym. To jest dla mnie właśnie awangarda w działaniu.

E.O.: Jakie stanowisko powinien zajmować teatr wobec współczesnej rzeczywistości?

P.B.: Powinien podejmować próbę zrozumienia świata i jego opisu. Kiedy to się wykona należy iść z tą myślą dalej odkrywając kolejne przestrzenie do poszukiwań. Teatr powinien być lustrem w którym możemy się przejrzeć.

E.O.: W przeszłości miał pan szansę pracować z Jerzym Grotowskim i być częścią Teatru Laboratorium. Co myśli Pan na temat klasyfikowania niektórych grup teatralnych i projektów jako „ post-grotowskie” ?

P.B.: Nie wiem w jaki sposób na to odpowiedzieć. Cokolwiek by to nie znaczyło. Dla mnie jest to bezmyślne działanie. Mnie określenie „post-grotowskie” kojarzy się z czymś pustym, złym i beznadziejnie naśladowniczym. Przypomina mi też to co kiedyś Jerzy Grotowski mówił o inspiracji teatrem Juliusza Osterwy, od którego pochodzi logo teatru Laboratorium. On właśnie nie zgadzał się z tym złym mówieniem o Teatrze Reduta Osterwy. Pojawiały się głosy że to hucpa i że nikt nie wie o co w nim chodzi. Dla Grotowskiego był to jedyny teatr, który działał tak bardzo świadomie i wkładał tak wiele wysiłku w to, żeby znaleźć swoje miejsce, w odradzającym się wtedy kraju. Miał wielką kulturę, wielkie marzenia i miał swoje próby w zwracaniu się do młodzieży. Ja myślę że jest to sprawa, która może jednego ranić, drugiego denerwować, dla mnie takie mówienie jest po prostu złe.

E.O.: Wydaje mi się obserwując działalność wielu grup teatralnych i wypowiedzi różnych artystów, że takie mówienie przybiera dwa wymiary. Pierwszy to taki w którym termin „ teatr post-grotowski” określa pewną formę gry czy jakości, kojarzoną (często błędnie) z tym co robił Grotowski. Drugim wymiarem wykorzystania tego terminu jest chęć powołania się na legendę i przypięcia metki wskazującej na pewną idee pracy, nie zawsze postępując w myśl przywołanego etosu.

P.B: Jeśli ktoś w swoim działaniu świadomie powołuje się na tego człowieka, deklaruje tym samym, że teatr jest dla niego wszystkim. Jeśli jest w swoim działaniu szczery i oddany -jest dla mnie wielkim człowiekiem. Niestety ja osobiście takich grup nie widzę. Choć może istnieją gdzieś takie grupy, które próbują naprawdę zrobienie tego co on próbował robić w tamtym czasie. Zadają światu pytania, szukają odpowiedzi- to byłoby dla mnie coś wielkiego, gdyby ktoś powoływał się świadomie na jego znak i nazwisko, nie zapominając o etosie pracy.

E.O.: Podczas Pana spektakli, uwagę przyciąga imponujący warsztat, bardzo silna energia płynąca ze sceny,napięty sposób gry i trudne pytania stawiane przed widzami – czy to wszystko składa się na prawdę w Teatrze, jakiej chce szukać Studium?

P.B.: To już widz musi zadać sobie pytanie co dla niego w teatrze jest prawdą. Ja mogę mówić o moich marzeniach i o tym co ja robię. Dla mnie na pierwszym planie jest zawsze obecność aktora to jest to czemu ja poświęcam całą moją energię. W nieskończoność mogę robić próby i pracować nad spektaklem. Jeżeli naprawdę chcę coś zrobić to po prostu musi być to w pełni zrealizowane. Deadline jest dla mnie właśnie takim przedstawieniem, które próbuje mówić o współczesnych czasach. O tym jakie mogą być reperkusje naszych wyborów w przyszłości i jakie odpowiedzi może nam przynieść jutro.

E.O.: W spektaklu obserwujemy historie ponownych narodzin jednego człowieka przez wszystkie czasy, jego próby odkrycia prawdy, wzloty i upadki. Tego jak staje się katem, ofiarą oraz świadkiem zmieniającego się świata. Czy Deadline można uznać za spowiedź ludzkości, przez wszystkie czasy?

P.B.: Oczywiście pod względem aktorskim jest to trafione sformułowanie i uważam, że każdy aktor powinien stawać przed wyzwaniem pewnego rodzaju spowiedzi wobec sceny. Natomiast w spektaklu powiedziałbym raczej, że każde z przedstawionych żyć bohatera jest na nowo rozpoczętą próbą poszukiwania nadziei, relacji i spełnienia. Za każdym kolejnym razem klon mierzy się z coraz większym bagażem doświadczeń, wiedzą o własnych słabościach i uczuciem pustki. Mimo możliwości powrotu ,postanawia pogodzić się z naturą i decyduje się na ostatnie spotkanie ze światem. Nie oznacza to jednak w moim odczuciu jego klęski.

E.O.: Oglądając Deadline ma się wrażenie bezradności wobec czasu jaki nas osacza. W jaki sposób teatr jest w stanie stworzyć warunki do życia w którym nie będzie miało się poczucia przegranej? Tak by nie trzeba było nam wysyłać w przyszłość własnych klonów w poszukiwaniu sensu, czy teatr ma taką moc?

P.B.: To musiałby być bardzo dobry spektakl, który zmagałby się z tą niewolą współczesności i tymi wszystkimi cechami zarówno dobrymi jak i złymi, jakie nam wszczepiono; żebyśmy parli do przodu, żebyśmy byli ambitni, żebyśmy walczyli o swoje, żebyśmy byli bezwzględni.Nie wiem czyjest lepszy pisarz od Szekspira i Tołstoja, który ujawnił te cechy ludzkie. Musiałby to być naprawdę bardzo dobry spektakl, mało tego w tym spektaklu powinien być bohater, który wywalcza dla siebie tą wolność. Gdy robiliśmy z Grotowskim spektakl, czy to był Książę Niezłomny, czy Pan Ciemny z Apocalypsis, oni przegrywali. Albo byli ofiarami maltretowania albo wyganiano ich, mówiąc na końcu „idź i nie wracaj”. Współczesny bohater jest kimś w rodzaju superbohatera, on się ze wszystkiego śmieje, co mnie się podoba, bo skoro nie ma w co wierzyć, nie powinien dać się zwabić w pułapkitego świata. To już zależałoby od reżysera czy taki bohater byłby, pogodzony z losem czy relatywizował wszystko jako świadek współczesności. Przedstawienie musiałoby pokazać go w ferworze walki i mądrości. Wierzę ,że taki spektakl mógłby dużo wywalczyć.

E.O.: Sylwetka „bohatera” w teatrze stale ewoluuje. Teraz możemy zaobserwować w teatrze tendencje do kończenia spektakli klęską bohatera i unicestwieniem jego nadziei. Jednym zdaniem- „Im bardziej dramatycznie skończy się spektakl tym lepiej”. Rzadko kiedy możemy zobaczyć spektakl, który kończy się dobrze a wychodząc z teatru mamy poczucie, że jest nadzieja na stoczenie własnej wygranej walki.

P.B.: Tu ma Pani racje. To jest niezwykle trudne w teatrze, o wiele bardziej niż przyznanie się do porażki. Ja uważam, że ten dobry spektakl powinien mieć bohatera, który nie tyle co wygrywa ale doprowadza do sytuacji pogodzenia-zrównania sił. On nie wygrywałby batalii lecz widział wszystko z pewnego oddalenia by udowodnić że walka nie jest najważniejszą rzeczą i że to jednak o coś innego w życiu chodzi. 

 

 

"Działać znaczy ryzykować"

Rozmowa z reżyserem Zbigniewem Szumskim o awangardowości Teatru Cinema
oraz o pracy nad spektaklem "Nicea/14.VII" prezentowanym podczas drugiej edycji Festiwalu Perspektywy 2017
Rozmowę przeprowadził Wiktor Moraczewski

Wiktor Moraczewski: Tegoroczny Festiwal Perspektywy 2017 odbywa się pod hasłem: Teatr – awangarda w działaniu. Teatr awangardowy, czyli jaki?

Zbigniew Szumski: Teatr awangardowy, czyli teatr w działaniu.

W.M.: Czy w takim razie Teatr Cinema można określić jako teatr awangardowy? Co takiego kryje się pod słowem działać? Jak przekłada się to na Waszą pracę? Który spektakl jest w dorobku Waszego Teatru sztandarowym przykładem takiego rozumienia teatru awangardowego?

Z.S.: Nie robię żadnych wysiłków, żeby obejrzeć Teatr Cinema z zewnątrz. Od 25 lat pracujemy nad jednym spektaklem, kawałkujemy go i co jakiś czas pod różnymi tytułami prezentujemy. Rozwijamy się i starzejemy. Proces ten zawiera w sobie elementy optymistyczne i elementy, które przybierają formę ostrzeżenia. Od 24 lat gramy spektakl Nie mówię tu o miłości. Jak każdy sztandar łopocze nam niczym chorągiewka na dachu, w zależności od tego, jak zawieje wiatr. Jest awangardowy niezależnie od zmiennej pogody.

W.M.: Spektakl Nicea/14.VII bardzo silnie odnosi się do rzeczywistości i w krytyczny sposób ją komentuje. Działać to podejmować jakieś czynności w określonym celu. Jak wyglądała/wygląda Wasza praca nad spektaklem Nicea/14.VI, który zobaczymy już w sobotę na deskach łódzkiego Teatru CHOREA?

Z.S.: Latem 2016 roku wspólnie z aktorami Teatru AKHE pracowaliśmy nad Kartoteką Tadeusza Różewicza. W Kartotece rozrzuconej jest dopisana przez Różewicza scena improwizacji, w której aktorzy mają za zadanie "opowiedzieć codzienność" nagłówkami tytułów gazetowych. Można domyśleć się, że w intencji autora było zderzenie sytuacji prawdziwie dramatycznych z artykułami o treści banalnej relacjonujących np. życie celebrytów. Takie wydarzenie jak zamach w Nancy wstrząsnął nami jako ludźmi. Zrezygnowaliśmy ze sceny czytania gazet, można by powiedzieć, że zgnietliśmy gazety i wyrzuciliśmy do kosza. I żeby akt gniecenia gazet nie był jedynym aktem protestu, zdumienia i smutku postanowiliśmy w sposób ryzykowny, chociażby ze względu na krótki okres realizacji spektaklu, trzy dni prób, wyrazić swój gniew. Bez analiz, bez kontekstów politycznych, religijnych, społecznych, etycznych. Zwykły gniew. Pozwolę sobie zacytować Petera Sloterdijka z książki Gniew i czas: "Na początku pierwszego zdania fundamentalnego przekazu europejskiego, w inicjalnym wersie Iliady, pojawia się słowo gniew, fatalne i uroczyste niczym nie znoszący sprzeciwu apel […] Ten najbardziej niesamowity i najbardziej ludzki z afektów, czy należy go stosownie do tego tłumić, okiełznywać, hamować? Czy schodzi mu się pośpiesznie z drogi, ilekroć zapowiada się u innych i budzi w sobie samym? Czy należy poświęcić go zawsze dla zneutralizowanej, lepszej rozwagi? […] Stary świat utorował sobie własne drogi do gniewu, które nie mogą być już drogami ludzi współczesnych. Podczas gdy ci ostatni kierują się do terapeuty albo wybierają numer telefonu policji, światli ludzie przeszłości zwracali się ku zaświatom."

W.M.: Z gniewu zrodziło się działanie, zarówno to rozumiane jako proces twórczy, ale również jako wewnętrzny sprzeciw wobec niepokojącego wydarzenia – ataku terrorystycznego w Nicei z 14 lipca 2016 roku. Temat poruszany przez Was w tym spektaklu wzbogaci tegoroczną edycję Festiwalu Perspektywy w dość zaskakujący sposób. To nietypowe rozumienie pojęcia awangarda.

Z.S.: Jeszcze raz zacytuję Sloterdijka: "Na początku było słowo gniew i słowo to wywołało oczekiwany efekt". Spektakl nie jest kolejnym ćwiczeniem na temat – awangarda. Jest manifestacją emocji.

W.M.: Działacie ze znakomitym partnerem. Przy realizacji spektaklu Nicea/14.VII skonfrontowaliście swoje doświadczenia i wizje na tworzenie teatru z poglądami artystów związanych z AKHE Engineering Theatre z Petersburga. To musiała być prawdziwa mieszanka wybuchowa. Teatr Cinema ma przecież wyraźną i rozpoznawalną stylistykę. Jak wyglądało to niecodzienne spotkanie? Czy Wasze sposoby tworzenia teatru są do siebie w jakiś sposób zbliżone?

Z.S.: Bazą naszej pracy nad spektaklem jest improwizacja. Są tematy główne i są tematy błądzące. Co do improwizacji zgadzamy się z Teatrem Akhe. W Teatrze Cinema w czasie improwizacji występuje postać "obserwatora wypaczającego wyniki badań". Ja pełnię tę funkcję. W Teatrze AKHE mamy do czynienia z dwoma aktorami, którzy jednocześnie są reżyserami, scenografami i ich improwizacja ma charakter totalny i bliższy performance. W spektaklu Nicea/14.VII stosowaliśmy bardziej metodę Teatru Cinema. Czyli ja wybierałem elementy z improwizacji i komponowałem je.

W.M.: Publiczność festiwalowa powinna zobaczyć spektakl Nicea/14.VII, ponieważ…

Z.S.: Teatr AKHE Engineering Theatre z Petersburga w jednym spektaklu z Teatrem Cinema, to ryzykowne wydarzenie. Ryzykowny jest również temat, który grozi uproszczeniami. Emocje żądają hasłowych rozwiązań, zwłaszcza, że zmagamy się z informacją już przekształconą i udramatyzowaną przez media: "[…] Gniew, jak się zdaje, nie chce się już uczyć. Nie nabrał rozumu, a rozum nie nabrał gniewu".

Cytaty pochodzą z książki Peter Sloterdijk Gniew i czas, przełożonej przez Arkadiusza Żychlińskiego.

 

więcej

"Studium o Hamletach" w Teatrze Collegium Nobilium

"Studium o Hamletach" w Teatrze Collegium Nobilium

10.05.2017
Teatr Collegium Nobilium w Warszawie

Zapraszamy na pokaz spektaklu "Studium o Hamletach" w Teatrze Collegium Nobilium w Warszawie.

data: 10 maja 2017 (środa)
godzina: 20.30
bilety: 25 zł

Więcej informacji o wydarzeniu: https://tcn.at.edu.pl/studium-o-hamletach/

Spektakl "STUDIUM O HAMLETACH"
Na motywach tekstów: „Hamlet” Williama Szekspira, „Studium o Hamlecie” Jerzego Grotowskiego, „Studium o Hamlecie” Stanisława Wyspiańskiego
Twórcy: Teatr CHOREA, Akademia Teatralna im. A.Zelwerowicza w Warszawie

Reżyseria: Waldemar Raźniak, Tomasz Rodowicz
Muzyka: Tomasz Krzyżanowski
Choreografia: Janusz Adam Biedrzycki i zespół
Scenografia: Tomasz Rodowicz
Projekcja: Krzysztof Olszowiec, Paweł Klepacz, Tomasz Rodowicz
Światło: Tomasz Krukowski
Dźwięk: Marcin Dobijański

Hamleci: Martyna Byczkowska (Akademia Teatralna), Joanna Chmielecka (Teatr CHOREA), Anna Lemieszek (Akademia Teatralna), Elina Toneva (Teatr CHOREA), Janusz Adam Biedrzycki (Teatr CHOREA), Mateusz Burdach (Akademia Teatralna), Piotr Janusz (Akademia Teatralna), Michał Jóźwik, Aleksander Kaźmierczak (Akademia Teatralna), Jakub Kordas (Akademia Teatralna), Vova Makovskyi (Akademia Teatralna)

Pokazy premierowe odbyły się 1 i 2 kwietnia 2017, w ramach akcji „Dotknij Teatru”, Obchodów Międzynarodowego Dnia Teatru w Łodzi.

Warszawska Akademia Teatralna i łódzki Teatr CHOREA realizują wspólnie projekt teatralny pt. „Studium o Hamletach”, wyznaczający współczesne myślenie o Szekspirze, poprzez pryzmat tekstów Wyspiańskiego i Grotowskiego.

Studenci II i III-go roku wydziału aktorskiego Akademii Teatralnej i aktorzy Teatru CHOREA pod kierunkiem Waldemara Raźniaka i Tomasza Rodowicza podjęli próbę zmierzenia się z tekstem „Hamleta” Szekspira, sięgając do zachowanych scenariuszy spektaklu Jerzego Grotowskiego z roku 1964, zatytułowanych „Studium o Hamlecie”, do recenzji i relacji aktorów Teatru 13 Rzędów oraz do tekstu „Studium o Hamlecie” Stanisława Wyspiańskiego.

„Chcieliśmy postawić siebie w tym punkcie, w którym stał zespół Grotowskiego ponad 40 lat temu. W punkcie niewiadomej, w punkcie rozdroża i zapowiedzi klęski w obliczu mierzenia się z wielkim tekstem.” (T. Rodowicz)

Premierowe prezentacje spektaklu Raźniaka i Rodowicza poprzedzone zostały sesjami prób i treningów fizycznych nawiązujących do metody Grotowskiego, pracą z tekstem Szekspira i wspólnym budowaniem dramaturgii spektaklu. Aktorzy sami wyszukiwali w dramacie Szekspira teksty najbliższe ich własnym doświadczeniom. Spektakl przekracza fabułę dramatu i jest wzbogacony o osobiste wypowiedzi aktorów dotyczące ich życiowych wyborów i własnej tożsamości.

Spektakl jest próbą odpowiedzi na pytanie kim dziś jest Hamlet? Dlaczego Grotowski za Wyspiańskim umieścił go na polskiej wsi, na cmentarzu? I najważniejsze: czy można dziś Grotowskim czytać Szekspira?

„Projekt nawiązuje do awangardy teatralnej lat sześćdziesiątych, którą reprezentował Teatr Laboratorium Jerzego Grotowskiego, co zbiega się z ogłoszeniem roku 2017 rokiem stulecia awangardy polskiej. Nie tworzymy jednak żadnej rekonstrukcji dzieła Grotowskiego. Zainspirowani odwagą i klęską tamtej próby szukamy własnej narracji i własnego ryzyka. Przekroczeniem typowych metod budowania spektaklu jest u nas sposób potraktowania tekstów zarówno Szekspira, Wyspiańskiego jak i Grotowskiego. Nikt do tej pory takiej próby nie podjął.” (T. Rodowicz)

więcej

Spektakl //Error404// Grupy Take Over

Spektakl //Error404// Grupy Take Over

05.05.2017
Art_Inkubator w Fabryce Sztuki w Łodzi

Zapraszamy na pokaz spektaklu //ERROR 404// Grupy Take Over!

data: 5 maja 2017
godzina: 19:30
miejsce: scena Art_Inkubatora w Fabryce Sztuki w Łodzi, budynek C, ul. Tymienieckiego 3
bilety: 15 zł ulgowe / 25 zł normalne
rezerwacje: 
mailowo: teatrchorea@gmail.com

telefonicznie: +48 506 103 207 (od poniedziałku do piątku, w godzinach 11:00-17:00)

WAŻNE INFORMACJE:
W mailu prosimy podać imię i nazwisko, ilość rezerwowanych biletów i określić czy będą to bilety normalne czy ulgowe. 
Do zakupu biletów ulgowych upoważnione są osoby niepełnoletnie (do 18 roku życia), uczniowie, studenci, emeryci, renciści, osoby niepełnosprawne, osoby powyżej 80 roku życia oraz osoby objęte ulgą ustawową.
Bilety można odebrać w dniu wydarzenia, godzinę przed jego rozpoczęciem. 
Rezerwacje wygasają 15 minut przed rozpoczęciem wydarzenia. 
Płatność za bilety przyjmujemy wyłącznie gotówką.


Spektakl //ERROR 404//

Wykonawca: Grupa Take Over 
Opieka artystyczna: Tomasz Rodowicz, Janusz Adam Biedrzycki, Małgorzata Lipczyńska
Konsultacja muzyczna: Tomasz Krzyżanowski
Występują: Barbara Cieślewicz, Tomasz Hołubowicz, Marta Kaczmarek, Anna Maszewska, Jakub Morawski, Remigiusz Pilarczyk, Alicja Tranda, Aleksandra Ziomek 
Czas trwania: 60 minut

OPIS SPEKTAKLU:
System jest jak labirynt, z którego brak wyjścia. Próbując odszukać w nim człowieka, napotykamy istotę skuloną pod ochronną warstwą mechanicznych zachowań i fasad. Podstawowe potrzeby giną w nadmiarze informacyjnych bodźców napływających ze wszystkich stron. Nasze instynkty zostały zatarte. Teraz poszukujemy równowagi pomiędzy mechanicznym i wyuczonym a żywym i czującym bytem.
Spektakl //Error404// grupy TAKE OVER to słodko-gorzki krzyk młodego pokolenia. //Error404// to kod błędu skonfigurowanego tak, by nie spełniać żądania oraz nie wyświetlać wymaganych informacji. Pęknięcie, które odwraca naszą rzeczywistość, każe się zatrzymać i zobaczyć ją w zupełnie innym świetle. Chwila oddechu w świecie skrojonym na miarę. Sygnał, że nie wszystko musi się udać, żeby stało się sukcesem. To „wspólny błąd” - nieprawidłowość w systemie, którą znaleźliśmy by dowiedzieć się czegoś prawdziwego o sobie samych.

INFORMACJE O GRUPIE TAKE OVER:
TAKE OVER to grupa młodych i utalentowanych twórców, którzy wspólną działalność rozpoczęli w 2015 roku, bardzo ambitnie - od przejmowania Teatru CHOREA. To uczestnicy międzynarodowego projektu edukacyjnego „Take Over: Seeing young audiences through young people’s eyes”, którego myślą przewodnią jest budowanie i rozwój młodej widowni (Audience Development). Celem projektu było utworzenie wydarzenia artystycznego z dziedziny tańca, muzyki i teatru w całości pomyślanego, zaprojektowanego oraz wyprodukowanego przez młodych ludzi i będącego odzwierciedleniem dążeń, zmian, pragnień i aspiracji współczesnego młodego pokolenia. Efektem pracy grupy TAKE OVER jest autorski spektakl //Error404//, którego premiera odbyła się w sierpniu 2016. Młodzi artyści w innowacyjny sposób łączą w swym spektaklu słowo, ruch i muzykę. Każdy element spektaklu wynika z intensywnej pracy z ciałem i głosem. Pod czujnym okiem instruktorów z Teatru CHOREA stworzyli dramaturgię, choreografię, warstwę muzyczną oraz samodzielnie napisali wszystkie teksty. Grupa nieustannie pracuje nad nowymi elementami przedstawienia, pozwalając mu na dojrzewanie. 

Projekt „Take Over: Seeing young audiences through young people’s eyes” skierowany jest do osób w wieku 18-28 lat, realizowany w latach 2014-2017, przy udziale British Council, w ramach programu Komisji Europejskiej „Creative Europe“, wspólnie z Kolarac Foundation (Serbia), Bios – Exploring Urban Culture (Grecja), Teatro delle Limonia (Włochy).

Więcej informacji o grupie Take Over: http://takeover.chorea.com.pl/

 

więcej

x
Jeśli chcesz otrzymywać informacje o wydarzeniach Teatru Chorea zarejestruj się.